Internationale Treffen - Cluj setzte auf Kontraste

Das rumänische Nationaltheater "Lucian Blaga" veranstaltete die 15. Ausgabe der Internationalen Begegnungen in Cluj.

Vom 16. bis 18. Oktober 2026 wurde Cluj-Napoca erneut zum Treffpunkt der rumänischen und internationalen Theaterszene.

Unter dem Titel "CONTRASTE" rückte das Festival Widersprüche und Spannungen in den Mittelpunkt - zwischen Individuum und Gesellschaft, Vergangenheit und Gegenwart, Tradition und künstlerischer Freiheit.

Schon beim Blick auf das Programm wurde deutlich, dass "Kontraste" hier mehr als ein dekoratives Festivalmotto war. Die einzelnen Inszenierungen standen nicht isoliert nebeneinander, sondern begannen sich im Verlauf der drei Tage gegenseitig zu kommentieren. Für mich lag gerade darin die Stärke dieser Ausgabe: Die Fragen, die ein Abend aufwarf, kehrten in veränderter Form in der nächsten Vorstellung wieder.

Den Auftakt am 16. Oktober bildeten zwei sehr unterschiedliche Blicke auf die Vergangenheit. "Sonia hebt die Hand" nach dem Roman von Lavinia Braniste, in der Regie und Bearbeitung von Rasvan Muresan, erwies sich dabei als die intimere Annäherung an das Thema. Die Inszenierung interessierte sich weniger für die große historische Geste als für die Spuren, die gesellschaftliche Veränderungen im Leben des Einzelnen hinterlassen. Gerade diese Konzentration auf das Persönliche verlieh dem Abend seine Stärke.

Daneben stand George Taboris "Mein Kampf" in der Regie von Alexandru Dabija - ein Stück, das sich der Geschichte über Groteske und schwarzen Humor näherte. Der Kontrast war wirkungsvoll: Wo "Sonia" die Vergangenheit eher von innen, aus der Perspektive individueller Erfahrung betrachtete, nahm "Mein Kampf" Abstand und entlarvte die Absurdität des historischen Geschehens. Die Verbindung von Komik und Grauen machte die Inszenierung gerade deshalb unbequem. Das Lachen blieb einem immer wieder im Halse stecken.

Beide Abende führten zu einer Frage, die das gesamte Festival durchzog: Was bleibt von der Vergangenheit, wenn sie erinnert, erzählt und inszeniert wird? Geschichte erschien nicht als abgeschlossener Bestand von Fakten, sondern als etwas, das in der Gegenwart weiterwirkte und immer wieder neu gelesen werden musste.

Der 17. Oktober gehörte drei sehr unterschiedlichen Perspektiven auf weibliche Lebens- und Erfahrungswelten. "Symphonie der Freiheit" von und mit Sanziana Tarta setzte dabei ganz auf die Ausdruckskraft des Körpers. Die Reduktion auf eine einzelne Darstellerin und die körperliche Erzählweise verliehen dem Solo eine unmittelbare, persönliche Qualität. Besonders überzeugend war, dass die Bewegung nicht bloß Illustration blieb, sondern selbst zum erzählerischen Material wurde.

"Schatten auf Papier" von Dragos Pop arbeitete dagegen stärker mit Sprache, Selbstironie und einer bewusst gebrochenen Figur. Miriam Cuibus verkörperte die Schriftstellerin Ana als eine Frau, deren berufliche Existenz gerade darin bestand, anderen zu einer Stimme zu verhelfen, während die eigene Stimme immer weiter verschwand. Der tragikomische Ton war eine der großen Qualitäten des Abends: Die Figur ließ sich bemitleiden, ohne zur bloßen Opfergestalt zu werden. Gerade ihre Selbstironie verhinderte, dass die Geschichte in Pathos abrutschte. Die Inszenierung machte aus der Geschichte einer persönlichen Niederlage zugleich eine präzise Beobachtung über Unsichtbarkeit und schöpferische Fremdbestimmung.

Am stärksten in die Gegenwart griff für mich "Blick zurück im Zorn" nach John Osborne in der Regie und Bearbeitung von Tudor Lucanu ein. Dieser löste das Stück bewusst aus seinem ursprünglichen gesellschaftlichen Kontext und richtete den Blick auf toxische Beziehungen und häuslichen Missbrauch. Dadurch wurde aus dem "zornigen jungen Mann" der 1950er-Jahre eine Figur, deren Aggression unmittelbar gegenwärtig wirkte.

Besonders eindringlich war die Verbindung von Schauspiel und Musik. Die Darsteller spielten selbst Instrumente; die Musik wurde damit nicht zur bloßen Untermalung, sondern zu einer Art emotionalem Resonanzraum des Konflikts. Gleichzeitig war die Inszenierung gerade in ihrer Direktheit nicht immer bequem: Sie ließ dem Zuschauer wenig Distanz zu den verbalen und psychischen Verletzungen. Für mich war das jedoch eine ihrer entscheidenden Qualitäten. Die Inszenierung machte häusliche Gewalt nicht zum psychologischen Hintergrund einer Beziehung, sondern rückte sie ins Zentrum.

Gerade in dieser Zusammenschau zeigte sich eine der stärksten Seiten des Festivals: Die drei Inszenierungen erzählten nicht dieselbe Geschichte über Frauen, sondern widersprachen einander in ihren ästhetischen Mitteln. Körper, Selbstironie, Musik und psychologischer Konflikt wurden zu unterschiedlichen Formen der Selbstbehauptung.

Am letzten Festivaltag, dem 18. Oktober, richtete sich der Blick auf den literarischen Kanon. "Eines langen Tages Reise in die Nacht" nach Eugene O'Neill, inszeniert von Mihaela Panainte, überzeugte vor allem durch seine düstere Atmosphäre. Sounddesign und Licht verstärkten das Gefühl einer Familie, die sich nicht aus ihren eigenen Erinnerungen und Verletzungen befreien konnte.

Die Stärke der Inszenierung lag für mich weniger in einer spektakulären Aktualisierung des Stücks als in ihrer Konsequenz: Sie ließ die familiären Konflikte langsam und beinahe unerbittlich eskalieren. Vergangenheit wurde hier nicht erzählt, sondern als etwas körperlich und emotional Gegenwärtiges erfahrbar gemacht. Gerade dadurch gewann O'Neills Drama eine beklemmende Aktualität.

Einen völlig anderen Ton schlug "Eine andere Art Weißer Moor" von Ionut Caras an. Aus Ion Creangas Märchen wurde eine schnelle, farbenreiche und bewusst respektlose Gegenwartsfarce. Der Klassiker wurde mit Slang, Popkultur, politischen Anspielungen und absurdem Humor überschrieben. Das funktionierte vor allem dort, wo die Inszenierung die Gegenwart nicht einfach mit dem alten Stoff dekorierte, sondern tatsächlich zeigte, wie lächerlich und widersprüchlich manche ihrer politischen und gesellschaftlichen Rituale wirken konnten.

Dabei nahm sich die Inszenierung durchaus die Freiheit, gelegentlich ins Grobe und Vulgäre zu kippen. Für mich war das nicht immer gleichermaßen überzeugend, gehörte aber zur bewusst anarchischen Haltung des Abends. Caras behandelte den Kanon nicht ehrfürchtig, sondern wie Material, mit dem man spielen durfte. Gerade diese Frechheit machte den Abend zu einem der unterhaltsamsten, aber auch politisch pointiertesten Momente des Festivals.

So ergab sich am Ende ein bemerkenswertes Spannungsfeld: O'Neill wurde durch Konzentration und psychologische Tiefe aktualisiert, Creanga durch Übertreibung und Parodie. Beide Inszenierungen zeigten auf völlig unterschiedliche Weise, dass Klassiker nicht deshalb lebendig bleiben, weil man sie unverändert bewahrt, sondern weil man den Mut hat, mit ihnen zu streiten.

Die Internationalen Begegnungen in Cluj waren deshalb weit mehr als eine Abfolge von Vorstellungen. Entscheidend war für mich auch der Austausch danach - die Gespräche über die Inszenierungen, die Begegnungen mit Künstlern und Theaterleuten und die Möglichkeit, erste Eindrücke unmittelbar zur Diskussion zu stellen. Das Festival schuf einen Raum, in dem Theater nicht nur konsumiert, sondern gemeinsam befragt wurde.

Auch der Runde Tisch "Auf dem Weg zu nachhaltigem Theater - ETC Theatre Green Book" erweiterte diese Perspektive. Die Frage nach nachhaltiger Theaterproduktion führte weg von der Bühne und zugleich zurück zu ihr: Was bedeutet gesellschaftliche Verantwortung für eine Kunstform, die selbst Ressourcen verbraucht und dennoch gesellschaftliche Veränderung anstoßen will?

Eine dreifache Buchpräsentation und eine Ausstellung im Foyer des Nationaltheaters ergänzten das Programm. Die Ausstellung über ein Jahrhundert unterschiedlicher Repertoireentscheidungen und künstlerischer Kontrastemachte dabei sichtbar, dass auch Theatergeschichte immer eine Geschichte von Auswahl, Perspektive und Wandel war.

Was von dieser 15. Ausgabe für mich blieb, war deshalb weniger eine einzelne Inszenierung als die Reibung zwischen ihnen. "CONTRASTE" funktionierte am überzeugendsten dort, wo das Motto nicht erklärt werden musste, sondern auf der Bühne tatsächlich spürbar wurde: im Wechsel von Groteske und Tragik, Intimität und gesellschaftlicher Analyse, körperlicher Performance und literarischer Vorlage, Respekt vor dem Kanon und bewusster Provokation.

Gerade darin lag die Qualität dieses Festivals. Es bot keine eindeutige Sicht auf die Gegenwart an. Es stellte unterschiedliche künstlerische Positionen nebeneinander - und überließ es dem Zuschauer, die Widersprüche auszuhalten. Für mich war genau das die nachhaltigste Erfahrung dieser drei Tage: Das Theater musste die Kontraste nicht auflösen. Es musste sie sichtbar machen.

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